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Vient de paraître

François Albera, Jean Antoine Gili, Mélisande Leventopoulos et Valérie Vignaux
p. 182-191

Livres

Vincent Amiel, Lancelot du lac de Robert Bresson, Lyon, PUL, « Le vif du sujet », 2014, 112 p.
Dans cette étude, le film de Bresson est d’une part mis en perspective avec le cycle arthurien, les enluminures médiévales et le cinéma hollywoodien et, d’autre part, confronté au cinéma contemporain sous l’aspect de ses innovations poétiques et formelles. Approche iconographique et esthétique qui met en évidence la rigueur formelle de Bresson et la qualité de son montage.

Isabelle Anselme, François Amy de la Bretèque, Caroline Renard (dir.), Wang Bing, un cinéaste en Chine aujourd’hui, Aix-en-Provence, Presses universitaires de Provence, 2014, 220 p.
Voici une nouvelle porte d’entrée, pour lecteurs francophones, dans la filmographie de Wang Bing. Ce dernier fait partie des cinéastes chinois de la génération de Tian’Anmen. Auteur d’un cinéma qui conjugue de façon singulière la réalité et le temps, il a proposé en seize ans une œuvre qui permet de saisir les mutations de la société chinoise contemporaine. Travaillant quasiment seul, sans autorisation officielle, en numérique, avec des éclairages naturels et des sons d’ambiance, il s’attache à décrire le réel à partir des détails du quotidien. Le spectaculaire ne l’intéresse pas dit-il, pourtant ses films sont monumentaux. Sa filmographie comprend une douzaine de titres dont une majorité de documentaires. Régulièrement sélectionné et primé dans des festivals internationaux, il questionne avec une force esthétique exceptionnelle la possibilité d’une mémoire collective. Son travail délicat et obstiné, proche des êtres qu’il filme, ouvre le cinéma contemporain à la possibilité d’une éthique de l’imagination. L’ouvrage comprend, outre la présentation de documents préparatoires au tournage de Jiabiangou (le Fossé), trois entretiens inédits avec Wang Bing et un entretien avec Lihong Kong, productrice de plusieurs de ses films, ainsi que des textes critiques abordant des aspects esthétiques, politiques et économiques de son œuvre.

Carole Aurouet, le Cinéma des poètes, de la critique au ciné-texte, Lormont, éditions le Bord de l’eau, 2014, 292 p.
Paru dans la collection « Ciné-politique », dirigée par Vincent Lowy, Carole Aurouet, spécialiste de Jacques Prévert, envisage dans cet ouvrage les écrits pour le cinéma rédigés par Guillaume Apollinaire, Pierre-Albert Birot, Antonin Artaud, Robert Desnos et Benjamin Péret, personnalités qui ont la particularité d’avoir « écrit sur et pour le cinéma ». L’analyse proposée par Carole Aurouet a la singularité d’associer à l’étude des textes critiques celle des scénarios afin d’éclairer les « spécificités des écrits cinématographiques de ces poètes », ce qui la conduit à les identifier comme des « ciné-textes » afin de réhabiliter « ces écrits injustement oubliés ».
Compte rendu dans un prochain numéro.

Marie-Aude Baronian, Mémoire et image. Regards sur la catastrophe arménienne, Lausanne, L’Âge d’Homme, 2013, 216 p.
Voir note de lecture dans ce numéro.

Andreas Beyer, Angela Mengoni, Antonia von Shöning (dir.), Interpositions. Montage d’images et production de sens, Paris, Éditions de la Maison des Sciences de l’Homme, 2014, 204 p.
Un ensemble d’études sur les procédés du montage défini non comme mode de liaison mais mise en rapport, confrontation, choc, conflit et écho entre des unités visuelles faisant jaillir un sens nouveau. Le concept de montage sert ici de modèle étendu à d’autres domaines que le cinéma. L’ouvrage cependant, au-delà de ces propositions somme toute admises assez largement de nos jours depuis qu’on est revenu sur l’« abaissement » du montage auquel on s’efforça de procéder après la Deuxième Guerre mondiale (en recourant au dit « plan-séquence », au Scope, etc.), tient à l’archéologie de la notion à laquelle se livre les études réunies ici. Comme Dominique Chateau dans un récent ouvrage sur « le concept de montage » (à partir de Kouléchov), on repart ainsi de l’Encyclopédie de Diderot envisagée sous l’angle de son « programme visuel » (Martin Müller) ou de la pratique visuelle du médecin, savant et naturaliste suisse Johann Jakob Scheuchzer (1672-1733) dans une série d’ouvrages consacrés à l’histoire de la terre (Antonia von Schöning). C’est aussi via des essais de systématisation des cabinets d’histoire naturelle (tel celui du naturaliste Georg Forster ou celui du microbiologiste Sergei Tchakhotine) qu’Anke te Heesen s’intéresse à la question du « rangement de la connaissance ». Dans le droit fil de l’atlas de l’art de Warburg, David Ganz analyse le « montage au second degré » dans le musée de papier de Christian Mechel et Nicolas de Pigage, catalogue de gravures élaboré au xviiiee siècle et fondé sur la mise en rapports d’œuvres que l’on a coutume d’envisager isolément. Georges Didi-Huberman envisage le Musée imaginaire de Malraux, fondé sur les possibilités offertes par la photographie de faire se rencontrer des objets éloignés dans l’espace ou dans le temps. Mais les limites de Malraux tiennent à sa volonté de suturer les différences et la dissemblance et d’accéder à une unité de second niveau, une synthèse stylistique. Luis Pérez-Oramas, confrontant « l’ondoiement des nymphes » de Boticelli à la pratique du Parangolé d’Oiticica (néo-concret brésilien devenu « une référence consensuelle pour une certaine écriture du modernisme tardif »), s’intéresse à une pensée non pas du mais par montage. L’Atlas de Gerhard Richter offre à Angela Mengoni l’occasion d’une réflexion sur « Montage et travail de mémoire ». Une dernière section de l’ouvrage est vouée au cinéma avec un texte d’Antonio Somaini (« Montage, théorie et histoire dans les écrits d’Eisenstein »), d’Ute Holl (« De l’esthétique d’un montage de la lumière entre le corps et la représentation ») et de Christa Blümlinger sur Peter Tscherkassky et la notion d’attraction.

Jean-Loup Bourget, Cecil B. DeMille. Le gladiateur de Dieu, Paris, PUF, 2013, 210 p.
Par un des meilleurs spécialistes français du cinéma américain, une remarquable analyse d’une des grandes figures du cinéma hollywoodien, un cinéaste à l’aise dans tous les genres, des « péplums bibliques » comme les Dix Commandements (1923 et 1956), le Roi des rois (1927), le Signe de la croix (1932), Samson et Dalila (1949), aux comédies satiriques, aux films historiques situés dans diverses époques, aux mélodrames contemporains, aux westerns comme Une aventure de Buffalo Bill (1937) ou Pacific Express (1939), et aux grandes fresques patriotiques comme l’Odyssée du docteur Wassel (1944). Au total environ 70 films pour ce cinéaste à l’univers complexe, entre les turpitudes de la chair et les aspirations spiritualistes. Après les monographies partisanes des « mac-mahoniens » (Mourlet, Marmin) et celle, quelque peu fantaisiste, de Luc Moullet (l’Empereur du mauve, Capricci), Bourget apporte ici un ouvrage plus équilibré centrés sur les films monumentaux et les westerns.

Dominique Chateau, l’Esthétisation de l’art. Art contemporain et cinéma, La Plaine Saint-Denis, Amandier/Archimbaud, « Ciné-création », 2014, 117 p.
Ce que l’auteur appelle « esthétisation » est le processus où quelque chose « qui n’est pas esthétique ou n’a pas la vocation à l’être, le devient ». Pour Chateau, c’est l’état du monde postmoderne qui opère ce phénomène. « L’esthétisation de l’art est une conséquence tardive de l’esthétisation du monde », l’art étant devenu « un véhicule de l’esthétisation du monde, un document du monde réfracté par son esthétisation, mais aussi la source de nouvelles représentations qui participent de cette réfraction. » Avec l’esthétisation, soutient encore Chateau, l’esthétique gagne en extension mais perd en compréhension : en tant que discipline, elle sort de son épistémè propre et « s’acoquine avec des perspectives qui n’attendent que ça pour l’absorber. » Ainsi l’esthétisation met en crise l’esthétique. Le terme est, on le sait, au centre du texte le plus fameux de Walter Benjamin dans sa réflexion sur l’art à l’ère de la « reproduction mécanisée » et de l’émergence de l’art de masse, affirmant que « l’État totalitaire aboutit nécessairement à une esthétisation de la vie politique » à laquelle les « forces constructives de l’humanité » doivent répondre par « la politisation de l’art ». Dans le commentaire qu’il en donne, l’auteur établit que « l’esthétique totalitaire, théâtralisation, spectaculaire et kitsch, sont devenus (...) les modes de l’esthétique dominante imposée par la mondialisation, c’est-à-dire la généralisation du système politique libéral-démocratique ». Mais quant à la deuxième proposition, la « politisation de l’art », il s’en remet à ce qui serait le verdict de « l’échec tragique » qu’aurait reçu ce mot d’ordre en 1936 selon Jean-Michel Palmier pour en enregistrer l’effondrement (voir plus bas le point de vue de Kluge dans l’Utopie des sentiments sur le même passage).
Le phénomène de l’esthétisation est examiné sur la série de films Die Hard construite autour du mythe christique du héros américain solitaire (Bruce Willis), sur l’intervention de Jeff Koons à Versailles, Jochen Gerz, Gondry et Bismuth et quelques autres. Les récents événements autour de Tree de Paul McCarthy (et leurs infinis commentaires) viennent apporter un cas d’école aux démonstrations proposées.

Jean Cléder et Timothée Picard (dir.), Christophe Honoré, le cinéma nous inachève, Lormont, éditions le Bord de l’eau, 2014, 255 p.
Cet ouvrage est issu de la première édition des Transversales cinématographiques, manifestation qui s’est tenue à Rennes en 2011. Jean Cléder et Timothée Picard qui dirigent cet ouvrage, l’ont organisé en trois temps. Dans une première partie des universitaires (L. Jullier, G. Sapio, B. Blanckeman, S. Daniellou, J. Cléder, B. Buffard-Moret, J. July, E. Hamaide-Jager), interrogent les différents aspects de l’œuvre de Christophe Honoré, essentiellement à travers ses films ou ses ouvrages pour la jeunesse. Un cahiers central présente une série de huit polaroïds réalisés par Honoré lui-même et intitulé « Les écrivains », puis dans la troisième partie les directeurs d’ouvrages s’entretiennent avec l’artiste et ses collaborateurs, tels Alex Beaupain, Diastème, Louis Garrel, Ludivine Sagnier, Gilles Taurand. L’ouvrage est ainsi particulièrement dense et précieux, il constitue assurément un opus de référence pour qui s’intéresse à cette œuvre.

Carole Contant, Éric Thouvenel, Fabriques du cinéma expérimental, Paris, Paris-Expérimental, « Classiques de l’avant-garde », 2014, 341 p.
Neuf entretiens avec des cinéastes expérimentaux (Martin Arnold, Frédérique Devaux, Ken Jacobs, Rose Lowder notamment) posent le problème du cinéma expérimental à « l’ère du numérique » : matérialité de l’objet-film, outils, rapports à la création, manières de pensée, de fabriquer et d’habiter les images et les sons, financement, parcours, etc. Ces questions sont envisagées dans leurs dimensions esthétique, pratique, technique, économique et institutionnelle. Chaque entretien est suivi d’une filmographie complète et d’une iconographie fondée sur des photogrammes, schémas préparatoires, partitions visuelles, photographies du matériel utilisé permettant de mieux comprendre la genèse des projets et des réalisations.

Jean-François Cornu, le Doublage et le sous-titrage. Histoire et esthétique, Rennes, PUR, « Le Spectaculaire », 2014, 440 p.
Partie du même mouvement qui a vu se multiplier des colloques sur le sujet et certains numéros de revues (comme Décadrages), Cornu, lui-même traducteur de films, s’attaque au domaine resté peu exploré à ce jour du doublage et du sous-titrage, lesquels naissent avec la généralisation du sonore au début des années 1930 mais ne s’imposent pas d’emblée, nombre de procédés étant envisagés, de normes essayées et de solutions nationales différentes s’étant affrontées durant plusieurs années.
Compte rendu dans ce numéro.

Michael Cowan, Walter Ruttmann and the Cinema of Multiplicity. Avant-Garde, Advertising, Modernity, Amsterdam, Amsterdam University Press, « Film Culture in Transition », 2014, 259 p.
Première monographie de langue anglaise sur Walter Ruttmann (dont la connaissance dépendait jusqu’à présent avant tout des publications en langue allemande comme Walter Ruttmann. Eine Dokumentation de Jeanpaul Goergen et alii), cet ouvrage procède aussi à un déplacement de focus en ouvrant l’approche de ce cinéaste à ses productions utilitaires, documentaires de commande voire de propagande. Dès lors l’auteur propose une réflexion critique sur les imbrications entre cinéma d’avant-garde et société industrielle dans la première partie du xxe siècle. Il montre en particulier comment la pratique filmique de Ruttmann incorpora les stratégies d’orchestration des multiplicités de la société de masse démocratique de Weimar pour les mettre au service du national-socialisme. De la sorte il reconfigure les relations entre expérimentation moderniste et esthétique fasciste.

Tiziana Maria Di Blasio, Cinema e Storia. Interferenze/Confluenze, Rome, Viella, 2014, 316 p.
L’ouvrage, préfacé par Jacques Le Goff, offre une synthèse sur un questionnement abordé par de nombreux ouvrages aussi bien en France qu’en Italie. Bâti sur une abondante documentation et sur des sources orales qui font intervenir des cinéastes, des musiciens, des chefs opérateurs et des historiens (Marc Ferro, Jacques Le Goff, Pierre Sorlin, Antoine de Baecque, Lucio Villari, Virgilio Fantuzzi), le livre analyse les différents traitements que le cinéma a réservé à la représentation de l’histoire et, dans une seconde partie, l’historicité du regard dans ce qu’il est convenu d’appeler le film historique dans différentes cinématographies et dans différents genres, du western à la comédie, du cinéma fantastique au film biographique.

Michel Estève, 25 fictions contre les régimes totalitaires, CinémAction, Condé sur Noireau, Charles Corlet, 2014, 194 p.
Michel Estève, dont le nom est associé à la collection « Études cinématographiques » qu’il dirigea de 1973 à 2010, publie un nouvel ouvrage dans une veine déjà parcourue avec Cinéma et condition humaine (1978), le Pouvoir en question (1984) et Un cinéma humaniste (2007). Dans une approche habilement didactique, l’auteur analyse 25 films qui « remettent en question » le fascisme (les exemples s’appuient surtout sur des films italiens), le nazisme, le communisme, avant d’aborder l’idéologie totalitaire dans une perspective philosophique avec les films de Roman Polanski, la Jeune Fille et la mort, Fernando Solanas, le Sud, Alain Cavalier, Libera me. Une sombre méditation sur ce que l’auteur appelle « une force de mort ».

Margaret C. Flinn, The Social Architecture of French Cinema, 1929-1939, Liverpool, Liverpool University Press, « Contemporary French and Francophone Cultures » 34, 2014, 244 p.
Ce livre explore la construction, la représentation et l’expérience des espaces et des lieux dans les films documentaires et les fictions réalistes du cinéma français des années 1930 en mettant en rapport la mise en place des techniques du sonore, ses thématiques et ses préoccupations sociales et politiques à travers l’analyse des discours de la presse contemporaine et des textes critiques et à partir des lectures des films eux-mêmes.

François Jost, Sous le cinéma, la communication, Paris, Vrin « Philosophie et cinéma », 2014, 142 p.
Le cinéma n’existe que par, dans et sous la communication : telle est la conviction qui irrigue ce petit ouvrage qui commence par déplorer la séparation opérée dans l’institution universitaire entre les départements de cinéma – dominés par l’esthétique – et ceux de communication. D’une part il s’agit pour lui d’éviter de faire du film une « chose en soi », de l’essentialiser : contrairement à ce que pensent les héritiers de Deleuze, écrit-il, « le film ne pense pas tout seul » car « par son entremise, on veut nous dire quelque chose » ; en d’autres termes, il est le lieu d’une « expérience spectatorielle » dont le « décodage » et le repérage d’« instances désincarnées » ne rend pas compte. D’autre part il récuse le glissement de l’esthétique vers l’artistique qui conduit à ne s’intéresser qu’aux films-œuvres, qu’aux œuvres d’auteurs. Ainsi Deleuze a-t-il omis de sa réflexion le cinéma des premiers temps lequel, pourtant, est par excellence un cinéma qui « donne à penser ». Jost est un des rares théoriciens à s’être intéressés au cinéma des premiers temps et à avoir suivi les débats des historiens à ce sujet. Son premier chapitre s’interroge à son propos : « Un cinéma en-deçà de la pensée ? » et passe pour cela par ce qu’il intitule « L’invention du gros-plan » ou examine « les vertus communicationnelle du silence » à propos de l’Assassinat du duc de Guise.

Alain Kleinberger, Jacqueline Nacache (dir.), To Be or Not to Be. Ernst Lubitsch. Un classique dans l’histoire, Lormont, Le Bord de l’Eau, « Cinéfocales », 2014, 191 p.
Le film de Lubitsch, devenu un classique, un « monument de la culture cinéphilique » et de surcroît qui « se confronte à l’histoire », est désormais au programme du bac ; les études et les analyses textuelles à son propos se multiplient donc logiquement. Ce recueil rassemble dix contributions (Nacache, Zernik, Leveratto, Esquenazi, Por, etc.) abordant le film sous divers angles, le comparant au Great Dictator de Chaplin ou le replaçant dans l’œuvre du cinéaste.

Alexandre Kluge, l’Utopie des sentiments. Essais et histoires de cinéma, Lyon, PUL, « Le vif du sujet », 2014, 226 p.
Pour inaugurer une nouvelle collection dévolue au cinéma, les PUL publient un choix d’essais et d’histoires échelonnés entre les années 1960 et 1980 pour les premiers et des années 2000 pour les secondes, d’un cinéaste, téléaste et théoricien important en Allemagne et pourtant mal connu en France en dépit de la distribution de certains de ses films et de la publication de plusieurs de ses livres (notamment Chronique des sentiments chez Gallimard), y compris deux co-signés avec Heiner Müller, et de réguliers articles à lui consacrés : Alexandre Kluge. Son style d’écriture rencontre sans doute le problème du passage d’une langue à une autre que ses traducteurs, quoique fidèles et scrupuleux, ne parviennent pas à surmonter de manière convaincante. Ainsi dans « Qu’est-ce qui bouge au cinéma ? » (1983) on lit dans les premières lignes : « Le cinéma est le genre de l’anti-refoulement. La télévision au contraire travaille en posant des frontières, qui découlent déjà simplement de la noble élévation des programmes et de la structure bureaucratique des institutions, et fonctionnent comme un mécanisme supplémentaire de refoulement, s’ajoutant aux barrières de défense déjà implantées dans le spectateur. On peut dire qu’une défense psychologique ne peut pas réussir avec la diminution des moyens d’expression qui résulte de ces frontières, c’est-à-dire de ce refoulement de synthèse. » (p. 127). Présenté comme « l’un des héritiers les plus inventifs de la Théorie critique de Theodor W. Adorno », il discute la pensée « dodécaphonique » de Walter Benjamin dans une histoire mettant en scène, « dans l’ambiance austère, universitaire et marxiste (le dogmatisme en moins) de la New School de New York, une doctorante en herbe » butant sur les deux dernières phrases de l’épilogue à l’essai sur « L’œuvre d’art à l’époque de sa reproductibilité technique » : Voilà l’esthétisation de la politique que pratique le fascisme. Le communisme y répond par la politisation de l’art. « Elle n’osa pas écrire que la seconde des deux propositions comportait une erreur. [...] Selon elle, cette deuxième phrase aurait dû être : “Le communisme y répond [au fascisme] par la politisation des rapports réels, dont l’art doit être capable.” ». Car avait dit Kluge auparavant : « n’est-il pas délicat d’orienter des observations et des formulations en fonction de l’exigence selon laquelle en théorie elles devraient être impraticables aux fascistes, mais au contraire particulièrement utiles aux socialistes ? » (pp. 150-151) (voir supra sur l’Esthétisation de l’art de D. Chateau). Textes réunis et présentés par Dario Marchiori, traduits de l’allemand par Christophe Jouanlanne et Vincent Pauval.

Mila Lazic, Silvia Tarquini (dir.), Lettre à la prison de Marc Scialom. Le film manquant, Dublin, Artdigiland.com, 2014, 174 p.
Entreprise éditoriale singulière (on peut se procurer le livres sur le net avec une impression à la commande), Lettre à la prison évoque le film que Marc Scialom – juif d’origine italienne né à Tunis en 1934 – réalisa en 1969-1970. Lettre à la prison est une œuvre poétique sur la perte d’identité culturelle et personnelle d’un exilé arabe en France. Tourné à Marseille, Tunis et Paris, il met l’accent sur les plaies du colonialisme et du racisme. Longtemps considéré comme perdu, le film a été retrouvé et présenté au festival du documentaire de Marseille en 2008 et au Cinema ritrovato de Bologne en 2013 en présence de Marc Scialom. Il faut lire dans l’ouvrage les dialogues de son film et son admirable texte, « Souvenir que me veux-tu ? ». Tourné avec très peu de moyens en noir et blanc et sans son direct, Lettre à la prison est une sorte d’essai proche du cinéma expérimental.

Christine Leteux, Maurice Tourneur. Réalisateur sans frontières, Grandvilliers, La Tour verte, 2015, 530 p.
Déjà auteure d’un Albert Capellani chez le même éditeur, Christine Leteux présente une biographie très précise d’un cinéaste ayant débuté en France en 1913 avant de gagner les États-Unis en 1914 avec la cohorte des cinéastes français qui arrivent à New York et s’y fixent pour une durée indéterminée. Touneur travaille en Amérique jusqu’à la fin des années 1920 avant de revenir en France et de signer, en 1928, l’Équipage. S’ensuit une carrière bien remplie qui culmine au début des années 1940 avec Volpone (1941), Mam’zelle Bonaparte (id.), la Main du diable (1942), le Val d’enfer (1943). En 2001, Bertrand Tavernier fit de Tourneur un des protagonistes de son film situé pendant l’Occupation, Laissez-passer. Son rôle y est tenu par Philippe Morier-Genoud. On peut regretter que dans la bibliographie ne soient cités aucun des ouvrages consacrés aux Français dans les studios de la côte Est et d’Hollywood au temps du muet.

Mélisande Leventopoulos, les Catholiques et le cinéma. La construction d’un regard critique (France, 1895-1958), Rennes, Presses universitaires de Rennes, Collection « Histoire », 2015, 318 p.
Ce livre se présente comme une histoire politique des visibilités au carrefour de l’histoire du cinéma et de celle du catholicisme. Il interroge les rapports entre l’imposition du cinéma comme média de masse et la redéfinition d’un groupe social missionnaire – le monde catholique – dans la France du premier xxe siècle. La portée cristallisatrice du cinéma dans le catholicisme français est abordée à travers les modalités, à la fois pérennes, plurielles et souvent surprenantes, de projection, de visionnement, de critique, d’évaluation et de contestation des films par l’Église et ses fidèles. L’auteure décrit ainsi la construction, contrainte par les contingences de la récession religieuse, d’un regard confessionnel cinéphile dans ses tiraillements axiologiques et militants, à partir de l’étude de nombreux fonds d’archives restés inexplorés jusqu’à présent et du dépouillement de la presse catholique sur un demi-siècle.
Compte rendu dans un prochain numéro.

Martin Loiperdinger, Uli Jung, Importing Asta Nielsen : The International Film Star in the Making 1910-1014, KINtop in Early Cinema (no 2), New Barnet, John Libbey Publishing, 2013, 386 p. 
Voir compte rendu dans ce numéro.

Jean-Paul Morel, Léon Moussinac à la tête de la « section cinéma » de l’AEAR : écartelé entre le militant et le critique, Paris, Ex-Nihilo, 2014, 51 p.
Défenseur d’un art social et aussi de l’avant-garde, Moussinac tente, début 1932, dans le cadre de la constitution de l’AEAR (association des écrivains et artistes révolutionnaires), de fédérer les « cinéastes », tout en condamnant, fermement, la politique des « rabcors » (amateurs ouvriers) pour leurs résultats décevants. Il écrit alors sous le pseudonyme militant de Jean Peyralbe et se trouve en butte aux débats et concurrences politiques tant à l’Humanité qu’à la Fédération du théâtre ouvrier de France ou à l’AEAR même, débats et controverses qui croisent des enjeux de politique nationale (le PCF et la place qu’il entend occuper dans la société française à la veille du Front populaire) et internationale (les changements de lignes en matière artistique et culturelle à Moscou). L’ouvrage offre en annexe une bibliographie des articles de Moussinac signés Peyralbe et la reproduction du premier (et unique) numéro des Feuillets du cinéma, bulletin de l’AEAR-cinéma (1935), comportant entre autres une interview de Buñuel reprise de Nuostro Cinema sur Las Hurdes d’une vigueur et d’une radicalité rarement atteinte chez ce cinéaste.

José Moure, Thierry Roche (dir.), Michelangelo Antonioni. Anthropologue des formes urbaines, Paris, Riveneuve, 2014, 146 p.
Dans l’abondante littérature consacrée au cinéaste ferrarais, l’ouvrage se singularise par l’originalité de sa démarche : questionner la représentation de la ville dans des films tournés à Milan, Rome, Pékin, Londres, Los Angeles... Faisant appel à des spécialistes de diverses disciplines, français et italiens, l’ensemble séduit par des approches qui mêlent critiques, historiens, sociologues, architectes, urbanistes, anthropologues.

José Pagliardini, Comédie en cinq as. Cinéma et condition masculine à l’italienne 1954-1964, Aix-en-Provence, Presses Universitaires de Provence, 2014, 376 p.
Les cinq as du titre sont Marcello Mastroianni, Nino Manfredi, Vittorio Gassman, Ugo Tognazzi, Alberto Sordi. Au travers de l’image de ces acteurs et des rôles qu’ils ont interprété, l’auteur souligne l’hégémonie des personnages masculins dans la comédie italienne dans une société, l’Italie des années 1950-1960, largement dominée par les hommes et réservant aux femmes un statut d’étroite dépendance. Balisant très large, l’ouvrage permet de parcourir un pan très riche de l’histoire du cinéma italien.

Valentine Robert, Laurent Le Forestier, François Albera (dir.), le Film sur l’art. Entre histoire de l’art et documentaire de création, Rennes, Presses Universitaires de Rennes, « Le Spectaculaire », 2015, 333 p.
Issu d’un colloque international organisé par l’Université de Lausanne et la Cinémathèque suisse, l’ouvrage dresse un état des recherches menées dans le monde sur ce « genre » cinématographique souvent évoqué mais peu étudié, hybride mais prolifique, au croisement de l’histoire de l’art et du cinéma documentaire : le film sur l’art. Les contributions se distribuent selon quatre ensembles : 1) aux origines du film sur l’art, didactisme et propagande (où l’on repart de l’irruption de la photographie dans l’histoire de l’art) ; 2) l’institutionnalisation du film sur l’art (avec les organismes qui se créent après la guerre pour le promouvoir – comme la Fifa – et leur subventionnement public) ; 3) le film sur l’art création au second degré (avec les œuvres créatrices de Storck, Ragghianti, Straub) ; 4) les déplacements du « genre » cinématographique dans les actualités, la télévision et l’art video. Un entretien avec Judith Wechsler, réalisatrice et historienne de l’art, clôt le livre qui présente une filmographie et des index détaillés.

Félix Vallotton, « La Vie est une fumée », Paris, Mille-et-une-nuits no 630, 2013, 149 p.
Lettres et écrits choisis par Jean-Paul Morel qui signe également une postface et les notes de l’ouvrage.

Vincent Vatrican (dir.), Albert 1er en films, Monaco, Archives audiovisuelles de Monaco, 2014, 96 p.
Voir note de lecture dans ce numéro.

Laurent Veray (dir.), Le cinéma s’affiche pendant la Grande Guerre, Compiègne, Festival du Film 2014, 176 p.
Catalogue d’une exposition sur les affiches de cinéma durant la guerre de 1914-1918.
Voir note de lecture dans ce numéro.

Valérie Vignaux (dir.), Léon Moussinac Tome 1 : Un intellectuel communiste ; Tome 2 : Critique et théoriciens des arts, Paris, AFRHC, 2014, 471 p. et 541 p.
Deux volumes, soit en coffret les réunissant, soit séparés, réalisé avec la collaboration de François Albera. Le premier volume présente un ensemble d’études que préface Pascal Ory, couvrant les différentes activités de Moussinac (arts décoratifs, cinéma, théâtre, chanson, édition, animation culturelle, poésie) dues à 13 spécialistes, suivi d’une chronologie de Jeanne Moussinac et de bibliographies et index ; le second volume présente une anthologie des textes critiques et d’esthétique générale de Moussinac de 1920 à 1960, avant tout concernant le cinéma, avec une introduction, un glossaire raisonné et un index.
Voir compte rendu dans ce numéro.

Ludwig Vogl-Bienek, Richard Crangle, Screen Culture and the Social Question 1880-1914, KINtop in Early Cinema (no 3), New Barnet, John Libbey Publishing, 2014, 213 p.
Voir compte rendu dans ce numéro.

Revues

Bianco e Nero
Nouvelle maquette heureusement sans changement de format pour une des plus anciennes revues de cinéma (elle a été fondée en 1937). Dans ses dernières livraisons (2013-2014), des dossiers constituent le corps de la revue : la comédie italienne (no 575), Il Gatopardo (le Guépard) de Visconti (no 576-577), le paysage italien (no 578), le cinéma fantastique italien (no 579). Diverses rubriques complètent la revue, notamment le point sur les restaurations de la Cinémathèque nationale, sachant que le Centro Sperimentale di Cinématografia, qui édite Bianco e Nero, accueille également l’école de cinéma, la bibliothèque Luigi Chiarini et les collections de la Cineteca nazionale.

Cinéscopie. La revue des amateurs de cinéma, no 34, juin 2014
Une présentation détaillée par Jean-Claude Laubie de la Caméra Pathéelectronic de Pathé Movie-Sonics en 1972, caméra « tout électrique » et à pilotage électronique, mais utilisant la pellicule Double Super 8mm, puis 9,5 mm et 16mm et une présentation complémentaire de Gérard Malet de la Pathé Webo Report précèdent un article de Claude Bataille sur « Feuilletoscope, Flick-book, Flip-book, Filoscope, Lebende Bilder,... » etc., et un article de Georges d’Acunto sur Billie Ritchie, burlesque venu du vaudeville et passé par l’école de Fred Karno (où il côtoie Henry Bergman), qui adopta un personnage « chaplinien » et Henry « Pathé » Lehrman, le réalisateur et producteur qui présida à la carrière du comédien (et se déshonora en « chargeant » Fatty lors de son procès). Peu de films avec Ritchie ont subsisté et on l’aperçoit parfois à la faveur de « bonus ». Parmi d’autres contributions de ce numéro retenons celle qui concerne Tony Vaccaro, soldat américain ayant débarqué en Normandie (3e armée du général Patton) et réalisé pour son propre compte nombre de photographies dans des conditions difficiles avec un Argus CIII dont il développait les films dans des casques militaires la nuit venue (ses photos ont été exposées, en sa présence, au Mémorial de Caen en mai 2014). Par la suite il devint photographe professionnel...

Cinéscopie. La Revue des amateurs de cinéma, no 36, décembre 2014
Claude Bataille livre une fiche bricolage pour confectionner des « épreuves mouvementées » de lanterne magique. Jean-Claude Laubie examine les caméras Pathé Report dans le détail, écorchés et schémas à l’appui. Michael Ritter s’intéresse aux projecteurs Heurtier fabriqués à Saint-Étienne. Maurice Marquès examine, lui, les bras motorisés 35mm permettant le rembobinage : courants en Super 8mm, 9,5mm et en 16mm rares en 35mm. Dans la rubrique Histoire du Cinéma Jean Siegfried s’intéresse, après Peter Jackson dans Forgotten Silver, au néo-zélandais Colin McKenzie qui, « bien avant les frères Lumière, Griffith et Chaplin... avait tout inventé, du travelling au cinéma parlant, de la pellicule couleur à la caméra invisible, du reportage de guerre aux films de Kung-fu ». Georges D’Acunto part, lui, à la recherche de Victor Potel, comique polyvalent et méconnu des années 1910 aux années 1940. Un dossier sur le cinéma et la guerre de 1914-1918 et de nombreuses autres rubriques complètent cette livraison.

Immagine. Note di storia del cinema
La revue de l’Associazione italiana per le ricerche di storia del cinema reprend le rythme régulier de ses parutions. Dans les trois derniers numéros de la nouvelle série, on trouve notamment des études sur Febo Mari, Mario Caserini, Ubaldo Maria Del Colle, Mario Almirante (no 5), le cinéma scientifique en particulier les films consacrés à la neuropathologie (no 6), Naples dans le cinéma d’Eduardo De Filippo, Fellini et ses scénaristes à propos de La dolce vita et Huit et demi, le corps féminin dans le cinéma et dans les revues italiennes des années cinquante (no 7). Dans ce dernier numéro, qui démontre par ailleurs la volonté des curateurs de ne pas se limiter au cinéma muet, on trouve une remarquable étude de Gian Piero Brunetta, fruit d’une connaissance approfondie du domaine de recherche : « Le redécouverte de l’Atlantide. Les étapes de l’histoire de l’historiographie du cinéma muet italien. ».

Journal of Film Preservation, no 91, octobre 2014
Ce numéro de l’organe de la FIAF (comportant des articles en trois langues – anglais, français et espagnol) publie dans sa partie historique un article de Natacha Laurent sur les rapports entre Henri Langlois et Raymond Borde (1957-1965), rapports qu’on a tendance à n’envisager qu’à partir de la rupture entre les deux hommes et son acmé en 1968 où Borde attaque Langlois au moment même où il est en grande difficulté. Leurs rapports commencent pourtant sous de tout autres augures, avec la création en 1956 de la section toulousaine des amis de la Cinémathèque française. Borde – qui a soutenu une thèse sur « La pensée économique de Joseph Staline » – est alors inspecteur des finances à Toulouse où il dirige le ciné-club, il est membre de la revue Positif, collabore aux Temps Modernes, a publié Panorama du film noir avec Chaumeton. Surtout il va collecter des films dans la région et dans le sud de la France et mettre en place des échanges de plus en plus étroits avec Paris et souffrir progressivement de « l’instrumentalisation » dont il se sent l’objet de la part de Langlois jusqu’à revendiquer une autonomie et une capacité d’initiative qui déplaît à son parrain et précipite une rupture que ne peut empêcher la médiation de Freddy Buache. La Cinémathèque de Toulouse entre à la FIAF en 1965 parrainée par Ledoux de Bruxelles – qui a rompu avec la CF depuis trois ans. Un article d’Eszter Kondor revient sur la fondation du Filmmuseum d’Autriche en 1964 et son admission à la FIAF malgré l’opposition de l’Osterreichisches Filmarchiv (créée en 1955). Deux exemples des particularités et des difficultés qu’ont pu rencontrer des projets archivistiques tout à fait différents et dont les origines expliquent la singularité (liens ici avec les ciné-clubs, là avec le cinéma expérimental) et les approches sur les plans de la conservation, la projection, la circulation des copies, etc. Le débat sur tous ces points restant feutré à la FIAF on « l’entend » à bas bruit par le biais des articles d’hommage, de bilan ou d’histoire.